SIMBOLISMO DEL PIE EN LA PINTURA
Madonna dei Pellegrini. Caravaggio.
La vida de Michelangelo
Merisi da Caravaggio (1571-1610) trascurre en la Italia del barroco, un
estilo de arte colorido, dramático, decorativo y realista que tiene en la luz y
el contraluz sus principales baluartes.
Madonna dei Pellegrini o Madonna
de Loreto, es un cuadro realizado en 1604 por orden de Ermete Cavalletti, para
su capilla familiar en la basílica de Sant'Agostino.
El lienzo representa a la virgen en una actitud poco decorosa y muy
poco religiosa y sus facciones eran las de una prostituta, una cortesana romana conocida
como Lena y que acompañó a
Caravaggio en varias etapas de su vida. Esto constituyó un auténtico escándalo para la fe del siglo XVII.
El Jesucristo niño, desnudo,
que la madre protege en sus brazos, podría ser el hijo de Lena y, a juzgar por
la edad de ambos, cronológicamente encajaría que su padre fuese el pintor, a quien no se le conoce
descendencia.
La historia no aclara si el maestro del barroco, mujeriego y licencioso bajo el amparo
de sus mecenas, tuvo una relación firme con Lena. Esta era amiga de una de las
musas originales de Caravaggio,
la noble Fillide Melandroni, que ya había aparecido en otros cuadros. Cuando
Melandroni cambia de vida y se aleja del artista, Lena la remplaza como modelo femenino. Caravaggio decide abandonar el palacio romano, donde
lo alojaba el Cardenal del Monte,
e iniciar una nueva etapa.
La vida alegre del pintor,
como hemos comentado, le generó diversos problemas con las autoridades, y
grandes discusiones con la jerarquía eclesiástica
por culpa de sus licencias artísticas.
El nexo de unión de estas
situaciones vuelve a ser Lena en
una historia que podría explicar la relación entre ambos. Una noche, en 1605,
el notario Pasqualone fue apuñalado después de salir de la casa del embajador
español, actual sede del Instituto
Cervantes, cerca de la plaza Navona de Roma y aseguró que fue Caravaggio
el agresor. Ambos habían discutido por Lena unos días antes.
En el juicio, Pasqualone afirmó
que el conflicto era por “Lenna, donna di Caravaggio”,
y no “Lena, la donna di Caravaggio”.
Esto significa que Lena era “una” mujer de Caravaggio y no “su” mujer, así que
siembra dudas sobre si ambos eran pareja o tan solo compañeros de diversión y caballete. Esta vez, sus contactos en la
corte para la que pintaba le permitieron salir indemne de las acusaciones.
Sobre los dos peregrinos, Caravaggio prestó gran atención a los detalles y los pintó con gran realismo, con ropa raída y llevando palos para ayudarse en sus largas peregrinaciones.
El peregrino en primer plano, presenta sus pies sucios, llenos de
mugre e hinchados, debido al largo
viaje que han realizado. Es un detalle muy importante, que presta un acento aún
más realista a toda la escena, simbolizan la obediencia y la fe en la religión
cristiana.
Esta Madonna se caracteriza por su pobre vestimenta, típica de la gente común.
Parece que la
Virgen está a punto de tocar el suelo después de descender del cielo, de hecho,
toca la tierra solo con las puntas, simbolizando su relación terrenal.
Este lienzo, tal vez no sea una de sus obras más
renombradas. Sin embargo, es una composición exquisita que muestra todas las
características del arte de Caravaggio y los motivos porque sus creaciones
fascinaron y también perturbaron a sus contemporáneos, y como desde entonces
han sido admiradas por las generaciones posteriores.
El gran éxito de Caravaggio es que, en sus obras de temática religiosa, consigue que los personajes nos parezcan totalmente reales, con gran naturalidad, completamente comunes, llenos de humanidad y carentes de adornos accesorios.
Ese gran valor de su arte, en su tiempo no fue del todo del gusto de las
autoridades eclesiásticas, sobre todo cuando representaba a figuras sagradas.
Por ejemplo, no solía gustarles que para pintar sus vírgenes y los santos los
representara como si fueran bellas aldeanas y rudos campesinos.
Pero además de esa capacidad suya para pintar de una forma tan natural, el otro gran valor de Caravaggio es su manejo de las luces y las sombras, su famoso claroscuro. En ello basa todo su lenguaje expresivo. Y si para los rostros y cuerpos recurre a la naturaleza, a las personas que podía ver por las ciudades y los pueblos, para el caso de la luz siempre usa una iluminación artificial, inventada por él para ubicar en el espacio los cuerpos, caras o gestos de interés, mientras que el resto de sus cuadros los oculta casi por completo en la semioscuridad.
Así aquí vemos a la Virgen que lleva en su regazo al Niño y recibe ante su modesta casa a dos pobres peregrinos, que veneran el episodio como una aparición divina. Fueron detalles de enorme crudeza para su época, por ello tacharon este cuadro de indecoroso y desacralizador, sin tener en cuenta que al mismo tiempo Caravaggio fue capaz de crear una virgen que expresa una profunda humanidad a esos peregrinos que se postran con absoluta devoción.
Autor: Andrés Carranza Bencano
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